El apeadero

Polustanok (1963) URSS
Boris Barnet

La última película de Boris Barnet no hace sino resumir la carrera de este hombre atípico en el cine soviético: adicto a la comedia humana, esquiva los lugares comunes de la glosa de los valores del Partido, y acude a los koljós a filmar sobre todo la naturaleza, el aire libre, la vida campechana, las comunidades rurales. Postulenko es una comedia amable y ligera sobre las vacaciones de un ingeniero de la ciudad en uno de estos lugares. La descripción de la comunidad, sus fiestas, sus pequeños dramas; es un fin de ciclo relajado, donde muestra su gusto compositivo y por el detalle.

El que debe morir

Celui qui doit mourir (1957) Francia
Jules Dassin

Adaptación de una novela Nikos Kazantzakis, ambientada en la Grecia bajo dominio turco, que sigue las penurias de un pueblo griego, que prepara la representación de la Pasión, y cuyo destino se cruza con otro pueblo errante, expulsado de su villa por el ejército ocupante. Sus peticiones de solidaridad no serán atendidas por el jefe espiritual local, y se inicia una crisis interna, paralela a la Pasión original. Se trata de una película de crudo realismo, en ocasiones algo teatral, pero convincente, pegadizo. La firma el "depurado" Jules Dassin, en el mejor momento de su carrera francesa. En esta película conocería a la que sería su esposa y musa habitual Melina Mercouri.

Plan diabólico

Seconds (1966) USA
John Frankenheimer

Intrigante y retorcido thriller psicológico, acerca de un hombre que rehace su anodina vida tras una nueva cara y nuevo nombre, apoyado por una misteriosa empresa. La narración va tomando tintes surrealistas y psicóticos según avanza y tiene momentos de desconcierto genuinos, con un Rock Hudson en un papel poco habitual. No es la única película de John Frankenheimer que tiene ese tono como desquiciado y alucinatorio. Una película poco conocida y curiosa.

La máscara de Dimitrios

The mask of Dimitrios (1944) USA
Jean Negulesco

Adaptación de una novela itinerante de Eric Ambler, acerca de un escritor que le sigue el rastro a un esquivo personaje cuyo cadáver aparece en una playa. Intenta reconstruir su historia, con episodios de contrabando, crimen y espionaje. La película es una colecció de episodios a lo largo de toda Europa, con final en París. Pieza de culto para cinéfilos por su ambientación y con contar con actores muy queridos de ese género, Peter Lorre y Sidney Greenstreet. No es un noir al uso, no obstante no hay chica, casi no hay trama y sí bastante humor y encanto.

Alicia en el país de las maravillas

Alice in wonderland (2010) USA
Tim Burton

Tim Burton traslada su troupe habitual a un relato que le sienta como un guante a su sensibilidad visual: la Alicia de Lewis Carroll, que le dan manga ancha para crear mundos visuales complejos y deslumbrantes. Los fans de Tim Burton disfrutaron probablemente de este sin duda hipnótico deleite. Yo, qué quereis que os diga, me ha parecido un tostón interminable y en el fondo simple y convencional, con un Johnny Depp insoportable. Pero para gustos los colores, que en esta película los hay a montones.

Hirak rajar deshe

(1980) India
Satyajit Ray

Secuela de Goopy Gyne Bapha Gyne (1969), se trata de dos comedias fantásticas musicales ambientadas en algún reino hindú legendario. En esta segunda parte, sus protegonistas, Goopy y Bagha, personajes inventados por el padre de Ray, dos buscavidas agraciados por su encuentro con un genio, que les concede curiosos poderes. Aquí, aburridos de la vida ociosa, van a los dominios de un tirano rey dueño de minas de diamantes. Los personajes hablan, según parece, haciendo rimas, menos el personaje del maestro intelctual, el único capaz de pensar por sí mismo y que escapa de las servidumbres de la tradición, algo muy habitual en Ray. Colorista, subversiva, su humor y su mensaje son como poco chirriantes para un español del siglo XXI. Solo para seguidores del maestro deseando llenar lo poco que les quede por ver suyo.

El pan nuestro de cada día

City girl (1930) USA
F. W. Murnau

Oculta entre sus dos grandes obras maestras, "Amanecer" y "Tabú", Our daily bread, renombrada como City girl en el momento de su estreno, es una obra poco conocida de Murnau. De su sinfonía ciudad/campo (uno de sus temas predilectos), queda, gracias a las tremendas mutilaciones que sufrió, poco más una hora del esqueleto de un melodrama rural, sobre una chica que, hastiada de la ciudad, marcha a la América profunda para casarse con un granjero para descubrir que la vidad rural no es mejor que la de la ciudad. Melodrama sombrío y pesimista en buena parte de su metraje, llega Murnau a él en la perfección de la narración muda (podríamos ver la películas sin intertítulos perfectamente, como en El último). Nos queda la duda de cómo hubiera sido originalmente, no es de sus títulos más memorables, pero se ve a Murnau con su lenguaje sencillo y humano y dominando la dirección de actores. Un plato secundario de gusto después de ver "Sunrise".

Más allá de la vida

Hereafter (2010) USA
Clint Eatwood

Con algunas excepciones, la carrera de Clint Eatwood parece tener un sustrato más bien de estilo o de forma, o de detalles, más que de temas predilectos o mucho menos obsesiones. Es clásico hasta en eso. Y también en sus méritos debe quedar, o quizá lo busca de vez en cuando, en buscar material filmable en fábulas o guiones a medio construir, como este Hereafter, película bastante rollo por otra parte. Trata de varias historias relativas a experiencias cercanas a la muerte, bien por tener contacto con ese otro mundo, bien por haber perdido a alguien muy cercano en experiencias súbitas o traumáticas. Eastwood aplica su receta de narración reposada y contemplativa y rescata momentos de genuina emoción. Es la película que más le acerca, para peor, a Shyamalan, que tiene un estilo narrativo parecido, que lo dedica a describir solemnemente tonterías de diferente calado.

De óxido y hueso

De rouille et d'os (2012) Francia
Jacques Audiard

Después del éxito de El profeta, Jacques Audiard escribe y dirige esta película diametralmente opuesto, que describe la relación entre un buscavidas y una domadora de orcas que pierde las piernas en un accidente. La aparente frialdad y falta de conmiseración parece ser lo que más le atrae a esta especie de pequeño hampón, desastroso padre de un hijo, que viene huyendo y se marchará igual. Audiard huye de convencionalismos o de caminos trillados y resulta un melodrama de riesgo, basada en las buenas interpretaciones de sus actores. No fui muy entusiasta de El profeta, debo confesar, pero este drama no está mal.

Aquí lo que dijo mi colega JL  de ella: http://despiadado1.blogspot.com.es/2013/02/de-rouille-et-dos.html

El séptimo continente

Der siebente Kontinent (1989) Austria
Michael Heneke

La primera película para el cine de Michael Haneke ya contiene todas las claves de su cine. Se trata de un relato, basado en hechos reales, de una familia aparentemente normal, de clase media alta, que un buen día decide tomar una decisión tajante. Ese gusto por lo no explicado o lo que directamente no tiene explicación, por la amenaza invisible, esa mirada glacial en lo que lo principal no sale en pantalla, ya está en esta película desasosegante y malsana. Una película que me ha dejado impactado, que no se me quiere ir de la cabeza.

Predilección

Devotion (1946) USA
Curtis Bernhardt

Biografía "novelada" de las hermanas Brönte (y por lo que he podido averiguar, con ciertas licencias narrativas), que prefiere acercarse más a una narración de época estilo "Mujercitas" que a cualquier tipo de rigor o introspección. Se estrenó con varios años de retraso y tuvo una tibia recepción, pese a un reparto bastante interesante. Es una narración competente con alguna excentricidad marca del alemán Curtis Bernhardt: una elipsis acertada y algún inesperado detalle luctuoso. Para los amantes de cine clásico.

Tomboy

(2011) Francia
Céline Sciamma

Producción francesa que sigue los pasos de una familia que acaba de mudarse a una zona residencial de las afueras al final del verano, poco antes del inicio escolar. Allí, nos centramos en la vida de la hermana mayor, que intenta integrarse en la vida de los chicos de su edad, cosa que consigue sin dificultad. El problema es que la chica simula ser un chico, incluso con nombre supuesto. El conflicto de la propia identidad, social y sexual, está narrado con gran pudor y discrección; es una película muy sensorial, muy física, con muchos silencios, cuyos conflictos latentes existen. Desespera un poco al principio, pero contiene momentos hermosos.

The October man

(1947) UK
Roy Ward Baker (como Roy Baker)

Primera película del buen artesano que fue Roy Ward Baker, nada más terminar la guerra. Se trata de un thriller psicológico protagonizado por John Mills, que trata de rehacer su vida después de un suceso traumático que le causa un gran sentido de culpa, pero al que le culpan de un asesinato justo cuando está remontando. Buena la ambientación londinense de estudio, con parques y niebla, como tiene que ser. Se ve con agrado y ese buen hacer tan británico.

Looper

(2012) USA
Rian Johnson

El joven director Rian Johnson parece especialmente interesado en situar narraciones, ritmos y códigos del cine negro en situaciones y ambientes distintos. Si en su debut, la curiosa Brick, trasladaba esos elementos a un colegio universitario, ahora lo hace con este thriller futurista, de asesinos a sueldo, que eliminan a personas enviadas desde el futuro (loopers). Me gusta bastante más los primeros 30 o 40 minutos de la película que el resto, aunque éste no me parezca malo en absoluto. Una ciencia-ficción bastante digna que no creo que cosechara demasiado éxito de público, desgraciadamente.

Indomable

Haywire (2011) USA
Steven Soderbergh

Una historia no demasiado original (una asesina a suelto que de repende modesta a sus jefes, y deciden eliminarla mandándola a una misión-trampa aparentemetne sencilla, con los resultados que se pueden imaginar), un desfile de actores importantes en papeles secundarios prácticamente inexistentes, una actriz principal contundente, le sirven a Soderbergh para dar su opinión sobre lo que debe ser el cine de acción, de espíritu clásico. Comparto con el director el gusto por rodar escenas de peleas en las que al menos se vea lo que está pasando, en contra de la locura de cámaras y montaje a lo que estamos acostumbrados. Soderbergh añade estilización y coreografía. La película no tiene nada más, es modesta en ese sentido.

Desafío total

Total recall (2012) USA
Len Wiseman

Remake del film de culto de Paul Verhoeven de los 80, o nueva versión del texto de Philip K. Dick. La legión de nostálgicos de los 80 que forma mi generación no ha perdonado que toquen uno de sus intocables, y todos los que conozco que la han visto hablan pestes de esta nueva versión. Total recall (2012) carece del sentido del humor y de la doble intención que son la marca de Verhoeven, pero como diseño de producción es deslumbrante y las escenas de acción son bastantes buenas. No me gustan demasiado los actores que la componen y la parte final está inútilmente alargada. Aceptable, entretenida.

Tres vidas y una sola muerte

Trois vies et une seule mort (1996) Francia
Raoul Ruiz

La primera película que he podido ver de Raúl Ruiz, director franco-chilena de carrera independiente, un verso suelto, es un relato juguetón y misterioso, pero finalmente coherente, un relato que juega con varias historias, con el elemento común de Marcello Mastroiani, que aparentemente interpreta diversos papeles, hasta que las historias de solapan, se entremezclan, se retoman, o se suprimen. Curiosa la presentación, el ritmo, la mirada particular del chileno. Creo que va a merecer la pena buscar más de sus películas.

Avalancha

Nadare (1937) Japón
Mikio Naruse

Obra temprana de Naruse que recoge temas que serán habituales en sus películas posteriores, pero expresadas con más contundencia que el estilo subterráneo que le caracterizará. El caso aquí es un hombre que ha contraído matrimonio, y que al año se da cuenta de que no ama a su mujer, sino a una antigua amiga. Hay contraste en la modernidad y la tradición, hay examen de ciertas costumbres japonesas, hay un conflicto de difícil solución. Naruse usa un lenguaje más refinado y visual de lo que suele emplear y cuenta muchas cosas en tiempo record. De las películas tempranas de Naruse que he podido ver, es la que más me ha gustado hasta ahora. Akira Kurosawa fue ayudante de dirección.

Monstruoso

Cloverfield (2008) USA
Matt Reeves

Producción de J. J. Abrams que situó en el mercado al director televisivo Matt Reeves, se trata de una breve película que, usando la técnica del "metraje encontrado", filma una especie de cruce entre la bruja de Blair y Godzilla. La película juega bien sus bazas, acaba justo cuando empieza a ser cansina, sorprende, está muy bien hecha técnicamente, oculta los datos que no le interesan, y funciona bastante bien. Flaquea por el lado de los personajes, inexistentes y poco atractivos, pero sus principales valores hay que buscarlos por otro lado.

El tiempo de los asesinos

Voici les temps des assessins (1956) Francia
Julien Duvivier

A Jean Gabin, famoso cocinero de Les Halles, se le aparece en su restaurante la hija de su ex-mujer, que se ha quedado sola, y viene a París a probar fortuna. No tardamos en descubrir que viene a intentar por todos los medios de casarse con el ex-marido de su madre y quizá heredarle. Es un fim noir en todos los sentidos, con triángulo amoroso, con femme fatale, con bajos fondos, crímenes y mentiras, pero Julien Duvivier lo aleja de los códigos del negro y lo filma como si de un melodrama realista se tratara, añadiéndole personajes ambiguos (como la siniestra madre de Jean Gabin), que enrarecen la película, sacándola de los esquemas habituales. Está curiosa.

El nombre

Le prénom (2012) Francia
Alexandre de La Patellière, Mathieu Delaporte

El nombre parece basada en una obra teatral, pero no figura así entre sus créditos. Se desarrolla en el interior de una casa, en una cena aparentemente normal, en el que uno de los invitados va a desvelar que su mujer espera un hijo y que ya tienen nombre decidido. Todo se va complicando, y la cosa desvaría a arrojarse verdades ocultas a la cara. Recuerda algo a Un dios salvaje, solo que aquellos eran desconocidos. Comedia agria, a ratos parece forzada, y el final es un tanto decepcionante. Pero está bien.

Infancia clandestina

(2011) Argentina
Benjamín Ávila

Producción de Luis Puenzo (quien tratara el tema en la histórica La historia oficial) ambientada en la dictadura argentina. A ese país desde su exilio en Cuba una familia de montoneros, terroristas que vuelven al país para desestabilizar al régimen. También llevan con ellos a su hijo, y de él se ocupa casi con total exclusividad esta película, parece que de contenido autobiográfico. El niño inicia lo que intenta ser una vida normal: va al cole, celebra cumpleaños, se va de excursión, le gusta una chica... Es una película sencilla y sincera, pero le falta fondo, le faltan detalles.

Crónica de una mentira

A l'origine (2009) Francia
Xavier Giannoli

A l'origine cuenta una historia curiosa que parece ser que es real, lo que añade más perplejidad. Es el relato de un estafador que se hace pasar por empleado de una gran compañía de infraestructuras, que convence a los locales de que se van a reanudar los trabajos de una autopista a medio terminar, y comienza a enriquecerse cobrando comisiones. Una historia de nuestros días, vamos. Luego, como El puente sobre el río Kwai, la autopista ficticia comienza a obsesionarle. Quizá a la película le pueda faltar algo de oscuridad en su deambular, se echa en falta algo más demoledor de lo que ofrece, pero se sigue con bastante interés. La protagoniza François Cluzet, valor seguro al que es difícil no ver últimamente en el cine galo.

Las malas hierbas

Les herbes folles (2009) Francia
Alain Resnais

Película de la última etapa de la carrera de Alain Resnais, caracterizada por una narración libre y juguetona, que escamotea datos, sugiere coincidencias, utiliza un complejo lenguaje de colores y decorados, mueve a sus actores fetiche, los intercambia, experimenta con lo que siempre le gustó, las figuraciones, los pensamientos que se vuelven palpables, la  narración cubista la fin y al cabo. A sus más de 80 años, se encontraba en un momento pleno en el que puede hacer lo que apetezca, sin sujecciones ni ataduras. Las malas hierbas es uno de esos vehículos como de alta comedia, ligeros y desconcertantes.

Abuela

Lola (2009) Filipinas
Brillante Mendoza

Producción filipina firmada por uno de los pocos autores conocidos fuera de su país, acerca de la historia de dos abuelas que recorren la destartalada Manila buscando resolver a su favor un mismo asunto. Una busca que el asesino de su nieto sea juzgado y castigado con la pena máxima, y otra busca librar del castigo a ese mismo asesino. Ambas recorren caminos opuestos buscando los apoyos, el dinero o los recursos necesarias, condenadas a encontrarse. Más allá del interés la minuciosa descripción de los ambientes de la capital, las calles atestadas y caóticas, los canales inundados, las interminables burocracias, está una película apreciable estrictamente por su valores cinematográficos, por su impasible atención a los trabajos de estas mujeres. Véanla si pueden.

Valor de ley

True grit (2010) USA
Joel & Ethan Coen

Segunda adaptación al cine de la novela de Charles Portis (o remake de la película de Hathaway, como más queráis), acerca de la venganza de una adolescente sobre el asesino de su padre, para lo cual contrata a un cazarecompensas anárquico y borracho. Los hermanos Coen centran la película en la recreación de un mundo y un momento brutal, una sociedad descarnada y violenta, muy lejos de cualquier resquicio de romanticismo o épica. Consiguen una película muy física y cruda; se alejan de sus tics habituales, hacen una narración muy sobria y entregan una de sus mejores películas.

Buscando un beso a medianoche

In search of a midnight kiss (2007) USA
Alex Holdridge

Producción independiente americana, premiada en algunos festivales del ramo, rodada en blanco y negro con actores no profesionales, con olor a Jarmusch, que relata una noche que pasan dos jóvenes, que se han conocido a través de una web de enlaces. Película muy modesta y simpática, se agradece que no tenga demasiadas ínfulas de autoría.

Pim pam pum... ¡Fuego!

(1975) España
Pedro Olea

Tras el éxito de Tormento (1974) Pedro Olea repite actriz (Concha Velasco, en un momento dulce), y cuenta con Rafael Azcona para esta película rodada en las postrimerías de la dictadura y que expone de una manera clara y sin ambigüedades el ambiente y la corrupción de la posguerra, donde un estraperlista (que al parecer en el guión original era un alto funcionario) se aprovecha de sus contactos para manejar la vida de una corista, enamorada de un maquis. Relato turbio y convincente, que se apoya en una fotografía muy cuidada y en sus buenos actores.

El pirata de Capri

I pirati di Capri (1949) Italia
Edgar G. Ulmer

Es necesario leer libros sobre cine, sobre historia del cine, que rebusque no solo entre los clásicos más conocidos y accesibles, sino que nos den pistas sobre películas enterradas u olvidadas. Escondida bajo el habitualemente poco alentador paraguas de las coproducciones italianas que rescatan actores americanos en decadencia, Los piratas de Capri es un título que podrían estar entre los clásicos del géneros de aventuras al mismo nivel que otros clásicos más populares de Walsh, Curtiz, Siodmad o Tourneur, que a todos nos vienen a la cabeza, y un testigo claro del talento narrativo de Edgar G. Ulmer, acostumbrado a exprimir el jugo a presupuestos ajustados. Pues eso, un entretenidísimo film de aventuras (no exactamente de piratas, pese a su título)

El extraño

Agantuk (1991) India
Satyajit Ray

La última película del realizador indio Satyajit Ray, un año antes de su muerte, es un relato acerca de una familia burguesa de Calcuta, que recibe la inesperada visita de un pariente que lleva más de 30 años residiendo en varias partes del mundo, antropólogo que ha convivido con tribus, y que trae una visión del mundo sin complejos ni prejuicios, que choca con el pensamiento tradicional de la familia y sus amigos. Solo con el niño, con la mente limpia, logra establecer un verdadero contacto. El cine de Ray acaba así con interrogantes abiertos, con mensajes a su sociedad de abrirse a nuevas ideas, de abandonar la viejo. Basada en un relato breve suyo, el maestro está preparado para abandonar todo lo que sabe y lanzarse a nuevas aventuras. No está entre sus mejores producciones, pero demuestra su mente inquieta y suspicaz.

Víctima

Victim (1961) UK
Basil Dearden

Victim merece un lugar en la historia del cine por ser la primera película en la que se pronuncia la palabra "homosexual", y por ser pionera en la denuncia del ghetto legal en el que vivían los homosexuales en Reino Unido a comienzos de los sesenta, que podían ser encarcelados por este hecho, o, como narra el film, chantajeados. Película valiente y con suficientes méritos puramente cinematográficos para ser hoy contemplada: su cruda fotografía, su realismo urbano y sus interpretaciones. La primera hora es excelente, sobre todo, mucho mejor que una parte final muy convencional, que intenta por todos los medios dejar a la audiencia tranquila.

Avatar

(2009) USA
James Cameron

James Cameron puede ser considerado con justicia uno de los directores más importantes de los últimos 20 o 30 años, dentro de un género (el de la ciencia ficción), y en un determinado campo (el de los efectos especiales). Su principal virtud es que su pirotecnia está muy bien integrada en la historias que cuenta, no son espectáculos gratuitos, y es un gran director de escenas de acción. Avatar es el paso definitio y fundamental de 3-D, y en Avatar sus sensaciones son parte de la historia. Ésta, a su vez, sigue también líneas coherentes con su cine (mensaje pacifista, en defensa del medio ambiente, antimilitarista), también para lo peor (lo arquetípico y maniqueo de sus situaciones y personajes). Un gran espectáculo en cualquier caso.

El héroe anda suelto

Targets (1968) USA
Peter Bogdanovich

Peter Begdanovich debutó en el cine con esta producción de Roger Corman. Un chico de dinero que fantasea con la posibilidad de hacer una matanza con las armas que colecciona. Un viejo actor de películas de terror (interpretado por Boris Karloff), que decide dejar el cine tras verse actuar en su última película (El terror, precisamente, de Roger Corman). Dos historias que convergen en algún momento, pero que parecen dos películas distintas. Parece oponer los viejos terrores clásicos, de monstruos, castillos, y mad doctors, con el moderno y cotidiano terror, las armas. Un debut interesante, de pocas palabras, curioso.

El camino del drama

Shibaido (1944) Japón
Mikio Naruse

Con el trasfondo de la guerra, drama ambientado en el extraño mundo del teatro japonés, probablemente el arte nipón más hermético y áspero para los ojos occidentales. Entre Osaka y Tokyo, entre el teatro clásico y el contemporáneo, entre la competencia entre compañías, entre las renuncias a las que debe someterse un actor para perfeccionar su arte, se desarrolla esta película, de sentimientos más palpables que las habituales corrientes subterráneas del cine de Naruse. Resulta, como el arte que describe, inaprensible los desvelos de estos personajes, difíciles de comprender en algún caso.

Cuestión de honor

Pride & glory (2008) USA
Gavin O'Connor

Reparto importante para esta producción "seria", que sigue el rastro de una familia de policías; uno de ellos se topa con una red de corrupción policial en el que están implicados algunos de sus familiares. Relato fundamentalmente nocturno, setentero, de buena conciencia, pero que rara vez levanta el vuelo, pereciendo mortalmente sobre montañas de clichés y frases hechas.

Hubo una luna de miel

Once upon a honeymoon (1942) USA
Leo McCarey

Comedia romántica, o película de propaganda, o de espías, o agrio melodrama, o la suma de todo ello es esta peripecia que varía de género de secuencia en secuencia, o a veces en la misma secuencia. Una poco convencional producción de tiempos de guerra, con un Cary Grant majestuoso, rondándole a Ginger Rogers (no me hubiera importado ver a otra actriz en el papel), alrededor de una Europa que va cayendo poco a poco bajo el poder de la Alemania nazi.

Ginger y Fred

Ginger e Fred (1986) Italia
Federico Fellini

Creo que ver cualquier película de Fellini es como ver un resumen de su obra. Cineasta circular, de lenguaje propio, de simbología recurrente, de sonidos e imágenes simétricas en toda su obra; Ginger y Fred, apunte nostálgico y agridulce sobre un mundo que deja de ser el suyo, voz de alarma deun director que quiere seguir siendo moderno pero que se confiesa superado. Visión atemorizada sobre un nuevo medio, la telvisión, que amenaza el modo de expresión que conoce, que lo aniquila, y que es fundamentalmente cruel e idiota. El relato es repetitivo, como también suele pasar en mucha de su obra, vueltas alrededor de su idea. Cuenta con la complicidad, decadente también, de dos sus cómplices y compañeros, Mastroiani y Giuletta Massina.

Los mequetrefes

Les godelureaux (1961) Francia
Claude Chabrol

La cuarta película de Chabrol nos acerca a unos jóvenes de la alta burguesía, fundamentalmente aburridos y vacíos, que se dedican a reventar actos de la acta burguesía, tales como fiestas, inauguraciones, conciertos. El tema de la vida ociosa y banal de estos jóvenes cultos pero asqueados es más o menos común en el cine de la época en toda Europa, con diferentes matices locales. El cine de Chabrol se irá haciendo más oblicuo en sus intenciones, aunque esta visión mordaz y violenta de esta sociedad y sus conflictos siempre estará latente. Para los curiosos del cine de Chabrol.

Acosados

The chase (1946) USA
Arthur Ripley

Producción de serie B (aunque con un reparto bastante interesante, en el que destaca un excelente Steve Cochran, y la hermosa Michele Morgan), escrita por Philip Yordan y dirigida por el poco conocido Arthur Ripley,  que demuestra estilo propio en el sinuoso manejo de la cámara y en su ritmo premeditamente cadencioso. Tiene también una excelente fotografía de Franz Planner. Todo ello podría hacernos pensar que estamos ante un clásico menor del noir, y en buena medida es así. Película de ambiente claustrofóbico o de pesadilla, muy equilibrado y denso, hasta que en los últimos veinte o treinta minutos, una borrachera del guionista o algo así, le empuja a tirar la película por la borda en un giro absolutamente impresentable. Pues eso, una pena.

Up in the air

(2009) USA
Jason Reitman

Historia de nuestros tiempos: ejecutivos que viven en un avión, hombres y mujeres con miedo a comprometerse, la frialdad de las crisis económicas, de la empresas que despiden cientos de trabajadores con miedo de mirarle a la cara. Comedia, o comedia anti-romántica (la parte final es más convencional ,quizá), escrita con mordacidad y algo de amargura. Grandes animales cinematográficos al frente, Clooney y Vera Farmiga. Siempre interesante, se ve con agradecimiento, te tratan con respeto e inteligencia, muy buena.

No tengas miedo a a oscuridad

Don't be afraid of the dark (2010) USA
Troy Nixey

Producción de Guillermo del Toro, que también firma el guión. Tiene rasgos suyos, como por ejemplo ese interés por las criaturas o las historias reales que toman elementos del mundo de los cuentos o de la leyendas populares, pero por su lado más tenebroso o terrorífico. En este caso, son criaturas relacionadas con los dientes de leche de los niños o algo así (escribo este comentario bastantes días después de verla). Trae elementos de casas grandes encantadas y cosas por el estilo. Muy floja, se le acaba cualquier interés a los pocos minutos.

El hombre perdido

Der Verlorene (1951) Alemania (RFA)
Peter Lorre

Peter Lorre vuelve momentáneamente a Alemania en 1951 para rodar su única película como director, que fue un estrepitoso fracaso, que truncó esta nueva carrera. Si admiran al actor y a los personajes que le dieron fama, se pueden imaginar fácilmente si les digo que esta es la película que hubieran filmado esos personajes: torturados, malsanos, sombríos, retorcidos, imprevisibles. Der Verlorene viene a ser a Peter Lorre lo que La noche del cazador a Charles Laughton: único y bizarro (menos gótico y lírico en este caso, pero no menos fascinante y misterioso) testamento fílmico de un actor irrepetible, un film tan extraño y claustrofóbico que no es de extrañar que haya tardado 50 años en volver a editarse para ser apreciado. No os la perdáis.

La hermana blanca

The white sister (1923) USA
Henry King

Adaptación de una novela de F. Marion Crawford, ambientada a orillas del Vesubio. Allí viven Lillian Gish y Ronald Colman, cuyo amor no puede consumarse por la maldad de la hermanastra de ella, por la guerra y por el infortunio, y finalmente porque la pobre se mete a monja. Se trata de una superproducción moralmente conservadora, un dramón al servicio de sus intérpretes. La dirige con el oficio habitual Henry King, que mantiene el tipo en los 150 minutos de la narración, lo cual no es moco de pavo en una película de estas características, vista casi 100 años después. Hoy las situaciones que describe y los conflictos que narra son rancios y viejos. Más allá de la cinefilia voluntariosa y el amor por el mudo, no veo motivos para rescatar este antiguo éxito.

Un profeta

Un prophète (2009) Francia
Jacques Audiard

Film francés de ambiente carcelario, que cosechó abundantes premios y un relativo éxito de público. Es un relato poco convencional, áspero, de pocas concesiones para el espectador medio, sobre un joven francés de origen árabe que ingresa en prisión, y que sigue sus peripecias de supervivencia y de crecimiento. Se relaciona con las mafias italianas, hace favores, se traga algunos sapos, pero progresa. No me ha quedado más remedio que verla en tres partes, asediado por el sueño. Los críticos y personas cuya opinión aprecio la estiman profundamente y es considerada una obra maestra. Yo no me he implicado en la historia y se me ha hecho larguísima.

Origen

Inception (2010) USA
Christopher Nolan

Existen una especie de espías industriales que utilizan un mecanismo poco ortodoxo para robar secretos: intrducirse en los sueños de la gente. Estos soñadores profesionales están comandados por Leonardo di Caprio, que empieza a tener problemas  cuando su propio subconsciente le juega malas pasadas. Les encargan una misión que al parece es muy peligroso. Sugerir a alguien una idea, de modo que parezca que es suya, que beneficia a su rival comercial. 150 minutos llenos de interminables y prescindibles escenas de acción, traumas, conflictos realidad-ficción, dilemas metafísicos. Todo encaja bastante en el mundo nebuloso y semi-onírico en el que se mueve el cine de Chritopher Nolan, que pega un bajonazo considerable en este indigesto gazpacho. Una chorrada monumental.

Ganhar a vida

(2001) Portugal
João Canijo

Melodrama urbano e hiperrealista que retrata con franqueza e incredulidad una realidad que nos es poco conocida: la vida de las portugueses emigrados a Francia. En pleno siglo XXI, con toda la integración europea, Portugal convertido en un país más o menos moderno, sorprende esta historia que podríamos imaginar en otro tiempo, en otro contexto, o al menos con otra comunidad de inmigrante. Un joven muere asesinado, aparentemente por la policía . Su madre se empeña en aclarar las circunstancias de la muertem que parece más una pelea callejera que una mala actuación de los agentes. Se manifiesta, sale en la tele; lo que sorprende es la reacción de sus vecinos y amigos portugueses, que de apoyarla al principio, la rechazan de un modo absoluto porque desean vivir en el anonimato, sin armar jaleo, en la sociedad marginal francesa. No sé muy bien por qué, pero la toman con ella, llevándola al límite. No me entero, pero al final acaba todo muy mal.

Los lioneses

Les Lyonnais (2011) Francia
Olivier Marchal

Evocación de una banda de ladrones franceses activos en los años 70 y de su figura central, el gitano Momon, en cuya autobiografía se basa esta película repleta de flash-backs para evocar esa aventura que inevitablemente se tiñe de romanticismo, de lealtad, de ladrones de guante blanco que poco a poco se van tiñendo de sangre, de ladrones con principios. La película no es mala, pero explota poco sus posibilidades, se queda muy debajo de lo que pretende, y por momentos no me la creo. Pero, vamos, que si la pasan por la tele, como el lunes pasado, pues se puede ver.

La sombra de los otros

Shelter (2010) USA
Måns Mårlind y Björn Stein

Thriller psicológico-sobrenatural en el que la escéptica psicóloga Julianne Moore no cree en los casos de doble personalidad, así que imagínense en los de posesión demoníaca. Decir a estas alturas que una película de estas películas es un refrito de obras es obvia; todas todas elementos prestados de otras películas anteriores, así que nada que achacar al respecto. Fracaso comercial que se estrenó de milagro en España, con mucho retraso, y que pasó sin pena ni gloria. Bueno, entretenida, ¿qué mas quieren? No da miedo, tampoco intriga demasiado, se queda a mitad de todos los sitios, pero eso, entretenida.

Un ciudadano ejemplar

Law abiding citizen (2009) USA
F. Gary Gray

El ciudadano normal al que hace alusión el título es de todo menos normal, ya que se trata de un sofisticadísimo agente oculto del gobierno, especialista en el dudoso arte de matar a distancia. El caso es que este hombre se vuelve contra el sistema, cuando la maquinaria judicial deja libre por un formalismo al sádico asesino y violador de esposa e hija. En fin, un disparate. Un relato indigno de un teatro de guiñol del Retiro para niños de 4 años, ejecutado con la seriedad del que maneja un asunto trascendente. Es entretenida la secuencia de implacables asesinatos, y el complicado plan gore del mencionado, cuya originalidad consiste en que comete sus crímenes desde la celda de su cárcel. Para un sábado noche con ganas de nada.

Deseo, peligro

Se jie (2007) Taiwan
Ang Lee

El taiwanés Ang Lee regresa momentáneamente a Taiwán para rodar esta lujosa superproducción de época, que se desarrolla en la China ocupada por Japón, y se mueve en los ámbitos de la resistencia y de los colaboracionista. Encuentro ciertos parecidos curiosos con la película anterior de este diario. Relatos vagos y zigzagueantes que se encienden por chispazos imprevisibles de poderosa energía. Deseo, peligro es una película demasiado larga, amorfa, con unos primeros 60-80 minutos bastante planos, que incuban un inesperado latigazo en su parte final, que lo convierte en un drama desesperado e impactante, en buena parte por la inquietante presencia del actor Tony Leung. Ang Lee, como suele ser habitual en su cine, se mueve mejor en interiores, que entre los ropajes de la superproducción.

La decisión de Sophie

Sophie's choice (1982)
Alan J. Pakula


Alan J. Pakula obtuvo su último gran éxito comercial y de crítica con este oscarizado drama triangular, ambientado nada más terminar la guerra. En un peculiar palcete rosa se dan cita un extraño triángulo formado por un aspirante a escritor, un ciclotímico y explosivo farmaceútico, y una superviviente de Auschwitz. Es una película especial, formada por muchos elementos que la aupan hasta un lugar preeminente: el trabajo de los actores, comandado por Meryl Streep, en uno de los trabajos más ajustados y sobrecogedores que se puedan ver en una pantalla, prodigio de contención y sabiduría (algo le deberá a Pakula de ello), la fotografía de Néstor Almendros, y una historia que zigzaguea sin saberse muy bien por qué, hasta llegar a uno de esos finales difíciles de olvidar.

Mis universidades

Moi universitety (1941) URSS
Mark Donskoy

Tercera y última parte de la adaptación al cine de la autobiografía de Gorki, Mis universidades repasa la juventud del autor, su anhelo no cumplido de estudiar en la universidad, su esfuerzo en leer filosofia (Schopenhauer). Entretanto, trabaja en un horno de pan. Es ahí, viendo las injusticias, la explotación, la persecución política, la connivencia de las autoridades y de las instituciones, cómo despierta el joven Gorki, y cómo va formando su pensamiento. Esas son sus verdaderas universidades. Aunque es la más "ideológica" de las tres, Donskoy es un narrador muy discreto, alérgico a cualquier tipo de recalcado. La trilogía despierta pasiones desatadas en algunos cinéfilos, aunque a mí no me ha logrado incitar la misma pasión. Véanla y juzguen.

Declaración de guerra

La guerre est déclarée (2011) Francia
Valerie Donzelli

La actriz francesa Valerie Donzelli protagoniza, escribe (junto con su ex-marido) y dirige esta historia en la que narra la durísima experiencia que pasaron cuando a su pequeño de dos años le diagnostican una grave enfermeddad. Me parece muy inteligente la opción de mostrar, en la primera escena, el final, de modo que no convierte la película en un futil espectáculo de intriga sobre cuál va a ser el futuro del niño, lo que le permite centrarse en una parte de la historia. Película impactante para todos los que somos padres, que en más de una ocasión nos hemos puesto a pensar en cosas como ésta. El relato es descarnado, pero sin regodearse en la desgracia ni en el dramatismo: relata sobre todo las consecuencias de esta vivencia en la pareja y su entorno, y cómo tratan de enfrentarse, sin disculpas, a la tragedia.

Larry Crowne, nunca es tarde

Larry Crowne (2011) USA
Tom Hanks

Larry Crowne es como aquellas comedias de Capra que en tiempos de guerra tenían como fin declarado  aliviar las preocupaciones de la gente (Arsenic and old lace), o aquellas otras infusiones de optimismo y esperanza en las adversas horas de una economía con ciclos implacables  (Meet John Doe, What a wonderful life). Por supuesto, la escritura es Larry Crowne es mil veces menos compleja, no tiene el relieve y los abismos que tenían estas dos últimas; Tom Hanks, con ojo puesto en la tremenda crisis de 2011, quiere a toda costa levantar el ánimo de sus compatriotas, animarles a seguir luchando y a reinventarse, un clásico de la mentalidad americana. Su personaje es escasamente comprensible, no tiene entidad ni aristas, pero la comedia que propone, en su aspecto romántico y en el cómico, es agradable, se basa en su propio trabajo y en el Julia Roberts. Ambos están magníficos, están muy bien rodeados por unos personajes secundarios (estos sí), muy bien dibujados, y hacen una película a la que se pueden poner pocos peros, en lo que se propone y en lo que consigue. Póngansela a sus mujeres e hijos, porque les va a dejar satisfechos.

1408

(2007) USA
 Mikael Håfström

Adaptación de un relato corto de Stephen King, sobre asunto de casas encantadas (habitación de hotel ne este caso), se trata de un efectivo relato de terror. Hay bastante del humor irónico del autor, que encuentra en John Cusack un intérprete natural. La película empieza muy bien, y consigue atmósfera de terror sin abuso de efectos. A partir de algún momento el desarrollo cae algo en lo repetitivo y empiezan a proliferar los efectos especiales.

Balada triste de trompeta

(2010) España
Alex de la Iglesia

Rodando un guión esta vez escrito en solitario, Alex de la Iglesia filma su película más negra, su aventura más suicida, película muy personal que lleva hasta el extremo muchos de los temas y rasgos de sus anteriores películas (ese gusto por la mezcla de géneros, casi en cada plano, tendencia al esperpento y a la realidad deformada), que aquí se muestran más desatados que nunca, llevadas al paroxismo. También se potencian sus excesos, sus defectos, sus irregularidades de ritmo y sus finales interminables. Un relato macabro y definitivo.

Embrujo

(1947) España
 Carlos Serrano de Osma

Director atípico y oscuro, de corta filmografía, Carlos Serrano de Osma es el responsable de títulos extraños, bizarros, que ha hecho que se le compare, no sin razón a la vista de esta película, con el americano Albert Lewin. Embrujo no pasa de ser un melodrama musical al servicio de Lola Flores y Manolo Caracol, pero salpicado de extraños números musicales, canciones que se interrumpen, encadenados de imágenes simbólicas u oníricas, en fin, un pastiche extraño y curioso, un vehículo para el estrellato de sus protagonistas, pero con una marcada tendencia a la abstracción.

Carnet de baile

Carnet de bal (1937) Francia
Julien Duvivier

Carnet de baile es una película de sketches, o de historias cortas, enlazadas por un hilo común. Primera película de este género de un director que lo visitó con frecuencia, el hilo conductor el de una mujer que acaba de enviudar, y, recuperando un viejo carnet de baile, busca a sus compañeros bailarines de aquella lejana noche, buscando qué hacer con su vida. Hay historias para todos los gustos, desde hombres que perdieron la cabeza literalmente por ella, otros que ha hecho curas, o ladrones, o médicos abortistas. El tono, los desnudos y las historias escabrosas sorprenden bastante, el estilo es variado en función de cada historia, siempre elegante y estilizado, es una de las películas más valoradas de su autor, pero me debe haber pillado un mal día. Película muy larga, el hilo central no lo acabo de entender, y algunas historias me interesan más que otras. Contiene, eso sí, a un gran representación de los actores más famosos del momento en Francia: Jouver, Baur, Fernandel.

Los cuentos de Hoffman

The tales of Hoffman (1951) UK
Michael Powell & Emeric Pressburger

He cogido la costumbre de, en ocasiones, capturar fotogramas que me llaman la atención y los cuelgo sin más en redes sociales, sin identificar la película y sin más comentarios. Esa tarea se hace difícil en Los cuentos de Hoffman, ya que se trata de una especie de poema plástico delirante, cada plano compuesto de complejos decorados, texturas, trucajes y colores. Está en la etapa más barroca y colorista del tandem Powell & Pressburger, que en este film alcanza el paroxismo. Se trata de una ópera filmada, la que da título al filme, del compositor Jacques Offenbach, y se necesita ser aficionado a este género para disfrutar de las casi dos horas de esta película.

La edad de oro del cine

Kinema no tenchi (1986) Japón
Yôji Yamada

Autor de un extensísima carrera, que aún continúa, gracias sobre todo a series de películas (una de las cuales tiene el galardón de ser la más duradera de la historia del cine), el japonés Yôji Yamada escapa de vez en cuando a esos seriales y ofrece películas independentientes, como su trilogía sobre la figura del samurai, que le reportó fama y premios en todo el mundo. Antes, en 1986, había filmado esta recreación del mundo del cine japonés en los años 30, en la transición del mudo al sonoro, época muy prolífica (aunque en Europa la edad de oro del cine japonés se considere más bien después de la guerra). Se trata de una evocación cariñosa y nostálgica de ese mundo, en un género, el del cine dentro del cine, no muy visitado por esa filmografía. Resultado irregular y disperso, pero correcto, suficiente para los interesados en la filmografía clásica de ese país.

El amor ha muerto

L'amour à mort (1984) Francia
Alain Resnais

Un hombre resucita milagrosamente de un ataque al corazón. Sus intentos posteriores de vivir la vida más intensamente no prosperan; antes bien, se sumerge en una misteriosa melancolía, ante la desesperación de su pareja, que le ama desesperadamente. Amor y muerte luchando y persiguiéndose, en esencia, pero relatados con asombrosa ausencia de solemnidad por Alain Resnais, en una de sus mejores películas, que utiliza sabiamente el color y el decorado para sugerir la lucha metafísica subyacente (aunque otras de sus decisiones narrativas resulten más discutibles, como esos fundidos casi constantes en toda la cinta). Firma el guión Jean Gruault, guionista importante del cine francés, colaborador habitual de Truffaut, Rivette o el propio Resnais.

Los apuros de un pequeño tren

The Titfield thunderbolt (1953) UK
Charles Crichton

Es verano, hora de recuperar este pequeño clásico de la Ealing. Las películas con tren ya me tienen ganado bastante, y si es comedia clásica inglesa, trenes de madera echando humo compitiendo con una compañía de autobuses, la campiña, etcétera, pues son todos los ingredientes necesarios para que esta breve comedia ligera resulte estupendo ejercicio de evasión. No la situaría entre las mejores de la Ealing, pero sigue siendo apreciable cine añejo, autoconscientemente inglés hasta la médula y la parodia.

Contranatura

Contronatura / Schreie in der Nacht (1969) Alemania / Italia
Antonio Margheriti (como Anthony M. Dawson)

Segunda película que veo del todoterreno Antonio Margheritti (aquí firmando con seudónimo), todoterreno de los subgéneros del cine europeo de los 60 y 70, pero que puedo afirmar dotado de cierto talento, al menos para evitar el ridículo en el caían otros tantos de su época. Margheritti sabe sacar adelante producciones variopintas con una narración segura y sólida. Aquí tiene entre manos un asunto de fantasmas, venganzas, crímenes, aderezado con erotismo lésbico, en fin, un potaje de la época. No soy más que un fan muy ocasional de todo ese cine, pero reconozco que las películas de este cineasta se sitúan por encima de la media. Pero vamos, que no la veais, si no sois aficionados a esto y os pilla una noche tonta y perezosa de verano.

Condenados

(1953) España
Manuel Mur Oti

Es urgente reivindicar a Mur Oti, y ponerlo en el lugar que le corresponde, al mismo nivel que Berlanga, Bardem o Buñuel. Director de una pericia visual y una potencia en la creación de imágenes poco común en el cine español, es capaz de enfrentar (al menos en los años felices de su carrera) cualquier tema y cualquier guión y componer tremendas elegías, de ambiente casi abstracto, o de tragedia griega, como este dramón rural, de mensaje sospechoso, pero que Mur Oti aupa al nivel de gran melodrama trágico. Pocas veces Emma Penella habrá vibrado al nivel sensual de Fedra, o Aurora Bautista al de esta Condenados.

M

(1951) USA
Joseph Losey

Poco conocido remake de la película de Fritz Lang, y que habla de la valentía del entonces joven Joseph Losey, en el que probablemente sea el mejor momento de su carrera, antes de su "depuración". Valentía porque pocos se atreverían a acercarse a un film mítico, y a proponer una revisión nueva y personal (esa escena final es 100% Losey), que pone el acento en la dualidad policía/hampa, y en cómo la estructura criminal resulta mucho más eficaz en sus propósitos que la de la policía y los jueces.

Los tigres del mar

The gallant hours (1960) USA
Robert Montgomery

Una de las últimas apariciones de James Cagney en la gran pantalla y última película como director del actor Robert Montgomery. Se trata de la biografía de un héroe de guerra americano de la Segunda Guerra Mundial, del teatro del Pacífico y de la batalla de Guadalcanal. La película guarda momentos para el retrato humano también de los generales del lado japonés, a los que trata con respeto. Con más interés por la crónica oficial y la estrategia que por la acción militar, es tan apasionante como leer algún olvidado informe burocrático oficial.

Al margen de la vida

Flesh and fantasy (1943) USA
Julien Duvivier

La corta carrera de Duvivier en Estados Unidos, al abrigo de la guerra, deja pocas películas, y dan la sensación de ser unos encargos de paso, ligeros, para un cineasta que rara vez volverá a recuperar la inspiración de los años 30. Rueda allí algunas películas de episodios, de ambiente romántico y fantástico, como estas historias de fatalismo y adivinación. Con actores de prestigio, es una modesta producción muy estimable, aunque el resultado se me queda algo corto.

Banda aparte

Bande à part (1964) Francia
Jean Luc Godard

Después del extraño experimento de rodar con medios para Carlo Pontu una "superproducción", en El desprecio, Godard vuelve al punto de partida, y realiza esta especie de versión corregida y aumentada de À bout de souffle, con un trío en vez de una pareja, una historia de robo, con final por supuesto absurdo y destrcutivo, que se construye sobre la marcha, imprevisible, rota, a ratos genial (como la famosa escena del recorrido del Louvre). Es una película única, de las que más me han gustado del autor.

[Y aquí doy comienzo a las películas que he visto en vacaciones, sin conexión a Internet; las comento haciendo memoria, de corrido, así que disculpadme la brevedad o imprecisión]

Chloe

(2009) Canadá
Atom Egoyan

Remake del film francés Nathalie X, acerca de una mujer (Julianne Moore), en crisis de autoestima, cuyo papel como esposa de un atractivo profesor (Liam Neeson, que al parece es atractivo), y como madre está cuesta abajo. Duda mucho de la fidelidad de su marido, por lo que contrata a una atractiva prostituta para que lo seduzca, con imprevisibles consecuencias. El encargado de realizar la cinta es el canadiense de origen armenio Atom Egoyan; es un director que se mueve muy bien en ambientes turbios, densos y sugerentes, y conduce bien la narración, hasta el momento en que la cosa se tira por el suspense más tradicional. No conozco el original francés, pero Chloe tiene buenos momentos, aunque deja en el paladar el sabor de la típica película que no ha acabado de explotar.

No se lo digas a nadie

Ne les dis à personne (2006) Francia
Guillaume Canet

Adaptación de una novela de Harlan Coben, pero cuya acción se traslada a Francia, este thriller obtuvo bastantes premios y reconocimiento. Se trata de un virtuoso ejercicio de narración, muy bien conducido por el actor y director Guillaume Canet, aunque se veces se le ve sobrado, gustándose a sí mismo, y es resumen un film de género de gran profesionalidad, pero dotado de personalidad propia. Es decir, no se trata de una imitación de los modelos americanos, sino que posee ese algo de aire fresco que siempre le da la visión europea (o no-americana). Muy buena, a la espera de lo que diga mi experto en cine francés habitual de este blog.

La calle sin sol

(1948) España
Rafael Gil

Primera de las colaboraciones entre Miguel Mihura y Rafael Gil. Se trata de una intriga costumbrista sobre un francés que se oculta en Barcelona tras cometer un crimen. Allí recala en una taberna del barrio chino, donde es acogido. Mihura retrata con espontaneidad y naturalidad el ambiente de la calle, con mendigos, charlatanes y rateros que intentan sobrevivir. Se dan cita alguno de los grandes secundarios de la época: Alberto Romea, Ángel de Andrés, José Nieto, Manolo Morán, Julia e Irene Caba Alba, dirigidos por Rafael Gil, que está en el mejor momento de su carrera, los 40 y los 50. El final es muy forzado y las posibles intenciones expositivas o críticas de la película están muy diluidas, pero es un buen film de una filmografía y un momento que no tiene mucho que rescatar. Se le ha comparado con bastante acierto con el ambiente de cafés y barrios bajos del cine francés de los 30.

La fuga de Colditz

The Colditz story (1955) UK
Guy Hamilton

Reconstrucción de la vida y los intentos continuos de fuga de la famosa cárcel de Colditz, en el que prisioneros de guerra británicos, franceses, polacos y holandeses, fugados reincidentes, eran enviados a este emblemático castillo. Sobre la base de una novela de un prisionero británico que consiguió fugarse, se reconstruye el ambiente de la prisión, la colaboración entre los prisioneros de los distintos países, aunque siempre desde el punto de vista británico. Producto muy solvente y entretenido de ver, todo un clásico del cine de evasión (literalmente), servido con profesionalidad por Guy Hamilton, que luego haría carrera con las aventuras de James Bond.

Manila bajo las garras del neón

Maynila: Sa mga kuko ng liwanag (1975) Filipinas
Lino Brocka

Sin duda el director más importante de la historia del cine filipino, Lino Brocka, tras estancias en Estados Unidos y Europa, vuelve a su país y cámara en mano, recorre las calles de Manila y sus arrabales, sus chabolas, para, desde el melodrama, exponer las lamentables condiciones de vida de sus habitantes. En Manila, realizada un año antes que Insiang, su película más conocida, trata el tema de la inmigración del campo de la ciudad, que acaba en condiciones de explotación, inseguridad laboral y, en el caso de la mujer, la prostitución. Melodrama duro y vivo, filmado con mucha firmeza e intuición.

El americano

The american (2010) USA
Anton Corbijn

Una especie de asesino, o agente o contrabandista (no me quedó claro) se ve obligado a esconderse en un pequeño pueblo italiano, donde intenta pasar desapercibido a sus potenciales asesinos. Película atípica, se trata de un relato silencioso y cadencioso, que intenta sacar más provecho de insinuaciones y sensaciones que de la acción. Se compara a sí misma con el spaguetti-western, pero por ahí se han trazado equivalencias con el Samurai de Melville, también muy acertadas. Me gusta el hecho de que no se nos de toda la información, y de que las circunstancias de misterio que rodean al personaje central (bien interpretado por un Clooney/Delon), permanezcan a medio descubrir. Una película meritoria, si no la habéis visto, buscadla. A mi mujer le aburrió y le pareció presuntuosa.

Gilaneh

(2005) Irán
Mohsen Abdolvahab, Rakhshan Bani Etemad

Ambientada en la guerra Irán-Irak, esta película iraní plantea los conflictos bélicos desde el punto de vista de la retaguardia, en concreto el de una madre que ve cómo el conflicto afecta a sus dos hijos. La película, pues, se divide en 2 partes, una durante el conflicto, relacionado con la hija, que busca a su marido en las ruinas de Teherán, y otra con su hijo, 15 años después de la contienda, gravemente afectado por los bombardeos químicos de Saddam. Gilaneh es la madre, sufridora, paciente, abnegada, ajenas a las causas de la guerra, pero víctima indirecta. La película es dura, sobre todo en la segunda parte. Sobrecoge el paisaje, la imagen cruda de la realidad cotidiana (al parecer, los responsables de la película se dedican al documental, y se nota). De mi amigo JL he cogido la costumbre de recomendar ver o ver las películas que comento. En esta ocasión, os digo que no la veais, no es agradable, todos sabemos quién padece las guerras (conectad el telediario).

Venganza

Adauchi (1964) Japón
Tadashi Imai

Un año después de Bushido, Tadashi Imai continúa su panorama de visiones desmitificadoras del mundo de los samurais con Adauchi, sombría reconstrucción de una serie de duelos, con el honor como tema central, pero desde un punto de vista poco dado a la elegía, y sí a subrayar el cinismo y la hipocresía de las relaciones de poder entre castas. Película estilizada, pero sobria en cuando al desarrollo dramático, en su contra hay que afirmar, como en Bushido, un desarrollo algo repetitivo. Interesante.

If...

(1968) UK
Lindsay Anderson

Una de las películas clave del Free Cinema británico fue este torpedo directo a la línea de flotación de las venerables tradiciones británicas, encarnadas en una de sus más prestigiosas figuras: las instituciones superiores de educación, los college, que en esta película se presentan como organismos de humillación y represión, fuertemente jerarquizados, que cuenta con la indiferencia culpable de la cátedra; la película, que mezcla abstracción, surrealismo y relato lineal, hoy no supone el shock que fue en su momento, pero no está exenta de interés. La protagoniza un inquietante Malcom Mcdowell, rebelde y héroe a su pesar, dispuesto a caer ya en La naranja mecánica, a quien no es difícil de suponer inspirada por esta película.

El inocente

The Lincoln lawyer (2011)
Brad Furman

Adaptación de un best-seller de Michael Connolly, acerca de un abogado que no tiene escrúpulos de defender a la gente más despreciable, que le paga bien por sus hábiles triquiñuelas legales. No tiene despacho, dirige sus asuntos desde un coche (al que hace alusión su título original). Como era de esperar, un caso que se complica le enfrenta a la única cosa que su moral no tolera: que haya dejado que un inocente vaya a la cárcel, o haber defendido a un inocente creyéndole culpable. Entretenido y sólido thriller judicial, cuidado en su apariencia sofisticada, con un reparto más que adecuado.

Gloria y hambre

Heroes for sale (1933) USA
William A. Wellman

El cine americano de los años 30 es una joya por descubrir. Dentro de este periodo, los años anteriores al código Hays son otra joya a descubrir. Y, dentro a su vez de este subgrupo, las películas realizadas por William A. Wellman ya son de pellizcarse para creérselo: se habla abiertamente del adulterio, de la libertad sexual, de la libertad de la mujer, o, como en el caso de Gloria y hambre, y en poco más de una hora, de la hipocresía de las condecoraciones militares, del regreso de los héroes y su olvido una vez de vuelta a la realidad, de la depresión, de las burbujas, de la explotación capitalista y del cinismo del comunismo, de la productividad máquina-hombre. Película sorprendente, inacabable, expeditiva, para quedarse con la boca abierta. Haced el esfuerzo, buscad las películas de Wellman de esta época (en este mismo blog encontraréis otras), porque son cortitas y siempre sorprendentes.

House of the damned

(1963) USA
Maury Dexter

Producción de terror de serie Z, en torno a una casa misteriosa en las afueras de Los Ángeles, supuestamente vacía, pero en realidad habitada por extraños seres. La película dura una hora escasa y acaba cuando suena el reloj de salida, a toda prisa y atropelladamente. Sus punto de curiosidad es que traslada al género de terror los códigos del cine negro, sus personajes y su fotografía. También es curioso la explicación final, coherente y lógica pero destruye cualquier misterio. En fin, a no ser que seais muy aficionado a este tipo de películas y de género no os molestéis en buscarla.

Sombras de Shanghai

Qinghong (Qing hong) - Shanghai Dreams
(2005) China
Wang Xiaoshuai

Se conoce por la "tercera línea" a un movimiento migratorio "obligatorio" durante la Revolución Cultural hacia el interior del país, para repoblarlo, y poner a salvo de la influencia rusa a ciertas fábricas estratégicas. Allí, es esas tierras desoladas, se desarrolla este notable drama autobiográfico (puesto que al parecer su director creció allí). Drama seco y moroso, escrupuloso en la recreación de ese ambiente húmedo y feo, que se centra en una familia comandado por un férreo padre. Película interesante para ver por motivos cinematográficos y etnográficos.

Súper 8

(2011) USA
J. J. Abrams

Escrita y dirigida por el avispado J.J. Abrams, se trata de una evocación del cine infantil y juvenil de los ochenta, y una evocación también de una generación de cineastas iniciados en el cine con las cámaras que dan nombre a la película, y que lo descubrieron a través, sobre todo, de Spielberg (que es productor de esta cinta, y al que la película homenajea en todo su metraje, con algún guiño gracioso a Romero). Abrams es un director inteligente, que sabe conjugar espectáculo y evitar las habituales trampas facilonas, que sabe describir personajes consistentes que conectan rápidamente con el espectador (tengo muy reciente otra película "evocadora", Star Trek). Un digno heredero del Spielberg de los 80.

Le ragazze di San Frediano

(1955) Italia
Valerio Zurlini

La primera película de Valerio Zurlini es una adaptación de un relato de Pratolini, autor que visitará más veces en su corta filmografía. Se trata de un relato acerca de un mecánico con gran éxito entre las mujeres, con las que guarda una relación casi patológica, intentando mantener a base de mentiras cuantas más relaciones mejor. La historia, que podía haber dado para una usual comedia italiana, no llega nunca a tocar dichos terrenos, y si acaso se puede acusar a la película de cierta indefinición que causa que el film no pase de ser correcto. Zurlini es un realizador muy personal, que domina el encuadre y el ambiente, con un estilo melancólico y sobrio, y uno de los grandes del cine italiano, con poco reconocimiento. Le ragazze es una obra agradable, pero lejos de sus mejores trabajos.

The lovely bones

(2009) Nueva Zelanda
Peter Jackson

Entre sus mastodónticas aventuras de la Tierra Media (a las que hace un divertido guiño en esta película), Peter Jackson se toma un descanso y rueda este thriller metafísico, sobre una adolescente asesinada que se queda en una especie de limbo, para contemplar cómo su familia se enfrenta a su pérdida, y cómo se intenta dar caza al asesino (un estupendo Stanley Tucci). El director neozelandés aprovechas las escenas del más allá para dar rienda suelta a su imaginería visual y su maquinaria pirotécnica. Estas escenas, repetitivas, son las que paran constantemente la narración y hacen de la película un relato cansino y demasiado largo, que le debe más a sus actores que a la innegable inventiva de su creador.

Hombres errantes

The lusty men (1952) USA
Nicholas Ray

Una de las películas más recordadas de Ray es este melodrama triangular ambientado en el mundo del rodeo. Una narración poliédrica, amplia, donde se muestra la habilidad del director para la dirección de los actores, de sus gestos; nunca Susan Hayward ha estado mejor que en esta película. Actriz dada al exceso y a la excesiva composición de sus personajes, aquí está fresca, espontánea, como si a veces se la pillara por sorpresa, antes de prepararse. Y luego están esos primeros planos impresivisibles, desnudos, como los de Arthur Kennedy y Robert Mitchum antes de salir al rodeo. Rodaje accidentado, complicado, y una película que queda extraña, asimétrica, casi crepuscular en ocasiones, clásica en otras. Un goce cinéfilo.

Meek's cutoff

(2010) USA
Kelly Reichardt

Tuve la oportunidad de ver esta películas horas después de hacer una visita a un poblado del oeste del desierto de Tabernas, en Almería, con demostración y actuaciones en vivo, fotos en los decorados, etcétera, todo en tono folklórico, claro, sin pretensiones de veracidad. Y de repente aterrizo en la que puede ser una de las películas de mayor realismo crudo y cotidiano, de lo que bien pudo ser el western de verdad, o al menos de uno de sus aspectos, el de los pioneros integrándose en territorio desconocido y peligroso. Meek's cutoff (que toma la figura histórica del guía Stephen Meek), guía un peregrinaje por el vacío de cuatro familias de colonos, que se pierden, y su encuentro con un indio que a ratos parece tan perdido como ellos. Western al mismo tiempo abstracto y metafísico, pero minucioso en el describir de la vida cotidiana de estos pioneros. Interesante por su punto de vista, pero por otro lado no me ha despertado grandes pasiones, y hubiera deseado más desarrollo de algunas de sus ideas.

Parnell

(1937) USA
John M. Stahl

Biografía del político independentista irlandés Charles Parnell, que significó un fracaso en la carrera de Clark Gable. Interpreta a un papel muy lejos de los que le dieron fama, los de bribón o aventurero. Se narra su carrera política y su relación con una mujer casada, y cómo sus enemigos utilizan esta relación contra él. Al parecer sufrió bastantes cortes en su metraje final, y eso explica quizá la frialdad de una historia que no funciona ni conmueve, cosa rara en la carrera del maestro Stahl.

Zafarrancho en el casino

The honeymoon machine (1961) USA
Richard Thorpe

Y de un papel atípico de Steve McQueen a otro. Poco habitual aparición del actor en el género de la comedia bienintencionada, ligeramente picante y sofisticada. Tampoco es muy habitual en el género el director Richard Thorpe, que sin duda tiene un lugar en el corazón de todo aficionado al género de aventuras. Ambos salen bien parados en esta comedia divertida y agradable acerca de un oficial de marina que utiliza un ingenio informático (un ¡¡ordenador!!) para averiguar los números de una ruleta de un casino veneciano. No puedo evitar pensar que es un papel más en la línea de Tony Curtis, pero la pelicula está bien llevada y resuelta con eficacia, con el estupendo y camaleónico Jack Weston en un papel secundario.

El enemigo del pueblo

An enemy of the people (1978) USA

George Schaefer

Tras 4 años de inactividad por su lucha contra el cáncer, que pocos después acabaría finalmente con su vida, el actor Steve McQueen vuelve fuerte a la pantalla, produciendo este film con el principal objetivo de reivindicarle como actor "serio", con técnica interpretativa, conviertiéndole en la pieza central de este pedazo de teatro filmado, aunque bien arropado por actores como Bibi Andersson o Charles Durning. Adaptación de Ibsen a través de la reescritura de Arthur Miller, vale lo que su original, y hace honores al texto del genial dramaturgo, aún de rigurosa actualidad más de 100 años después de su escritura. Steve McQueen aparece tapado por una  espesa barba y gafas, bastante irreconocible. McQueen tiene un puesto fijo en la galería de actores de culto, no por papeles teatrales de prestigio, sino por sus personajes insolentes y salvajes.

Traidor en el infierno

Stalag 17 (1953) USA
Billy Wilder

Adaptación de una pieza teatral que se desarrolla en un campo de prisioneros (Stalag) nazi en plena guerra. Allí, en un barracón de prisioneros americanos, hay un traidor que frustra todas las tentativas de fuga de los presos; el principal sospechoso es un personaje bastante despreciable, que comercia con los alemanes y los demás presos sin la menor ética. Obra que consagra el lado más pesimista y cínico de Wilder, que nunca abandonará, pero que esconde tras la forma de comedias. Maestro de la sonrisa helada, de la mezcla de géneros, del humor agrio, Wilder entrega una película quizá no demasiado sólida en cuanto a su tono, pero sí sórdida e impactante.

Star Trek

(2009) USA
J. J. Abrams

Recuperación del clásico del culto freak a la ciencia ficción por excelencia. En esta ocasión se recuperan los personajes clásicos, no se trata de una nueva tripulación, sino que se narran los comienzos del capitán Kirk y el comandante Spock, sus orígenes y su encuentro. La película centra toda su atención precisamente en ambos personajes, y logra interpretar muy logradamente los cimientos de la peculiar relación de ambos. Están muy bien descritos ambos, sus notables diferencias y paralelismos, y no cuesta imaginar que en el futuro se convirtieran en los personajes que todos conocemos. Es una recreación modélica de una serie de culto, ya que no se basa únicamente en los iconos visuales más superficiales, sino en los más ocultos a la vista. Por el camino, no obstante, se les quedó el hacer una historia que no tuviera los tremendos agujeros que deja ésta. Las escenas de acción están muy bien, y los actores bien escogidos.

Another year

(2010) UK
Mike Leigh

Con guión del propio director, Mike Leigh recrea un año en la vida de unos personajes que giran en torno a la pareja de Tom y Gerri, pareja feliz a cuyo alrededor se arremolinan seres solitarios o perdidos, como Mary, personaje muy cercano al cine de Mike Leigh, al borde de la histeria, del derrumbe, de la excentricidad o del ridículo, por el que el director siente una debilidad que no puede ocultar. La película, que no tiene un objetivo claro, es una delicia, por sus personajes y los actores que los encarnan. Película tan fácil de ver como difícil de hacer.

Cowboys & aliens

(2011) USA
Jon Favreau

Adaptación de un cómic que mezcla dos mundos muy cinematográficos pero muy alejados, el del western y el de la ciencia ficción, en su vertiente invasión alienígena. La película, contra todo pronóstico, adopta un tono serio, como si estuviera narrando alguna especie de elegía e incluye tramas personales obvias y simplonas que en este tipo de películas no suelen dar buen resultado. Daniel Craig y Harrison Ford están bien, el espectáculo de acción competente, y Olivia Wilde guapísima, pero el juguete me dura apenas una hora y me canso después.

Shame

(2011) UK
Steve McQueen

Y de una película desagradable a otra, aunque por otros motivos. Shame es el acercamiento a un personaje turbio y hermético, inexplicable, que padece una adicción al sexo, un sociópata que rechaza cualquier relación, ya sea sentimental (es un tipo que se relaciona sin problemas y que gusta a las mujeres, pero reacio a cualquier tipo de compromiso), o afectiva (la relación con su propia hermana, que ofrece los mejores momentos de la película). Un viaje frío y desolador a un lugar sin sentido, una película glacial que me incomoda y desagrada.

En un mundo libre

It's a free world (2007) UK
Ken Loach

Loach y Laverty se acercan al tema de la inmigración, de la explotación, de la precariedad laboral, de las empresas de trabajo temporal, de la competitividad a la baja, pero desde un punto de vista meritorio, que al menos aleja la película del esquematismo marrullero de muchas de las películas de este director, que o anda lejos de su mejor forma, o es que ya me empieza a cansar. El caso es que aquí las piezas de este maquiavélico mecanismo social de explotación no son malvados empresarios sino meros engranajes que intentan ganarse la vida como pueden. Película amarga y sin respuestas, pesimista por estos mismos motivos, acentuado por una puesta en escena desgarbada y tosca.

Una noche, un tren

Un soir, un train (1968) Bélgica
André Delvaux

Esta es la tercera película que veo del cineasta belga André Delvaux. Parece que el hombre estaba obsesionado con ciertas historias y estructuras, porque se parecen bastante. Giran alrededor de un burgués de más o menos éxito laboral y social, casado con alguna atractiva burguesa con la que mantiene una relación fría, como poco. Su vida, aparentemente normal, está corrompida por un vacío existencial que se despierta con la aparición de algún personaje, o suceso (como un apacible viaje en tren, en este caso). En este momento, el personaje pierde el pie y la película transita entre la realidad y la ficción, a menudo metiéndonos en la mente alucinatoria del personaje, de modo que no sabemos a ciencia cierta qué es real y qué no. Es un cine bien hecho, raro, obsesivo, con elementos visuales y auditivos también repetitivos en todos los films: páramos desiertos y húmedos, pueblos vacíos, idiomas incomprensibles, cementerios. Un cineasta muy olvidado que bien merece una revisión, no logro emparejarlo con los autores de esa época, quizá Buñuel. En esta película demuestra además dominio del montaje y de la narración.

Phantom

(1922) Alemania
F. W. Murnau

Entre las películas menos conocidas del maestro Murnau está sin duda esta adaptación del premio Nobel Gerhart Hauptmann, que narra la decadencia de un gris funcionario de provincias cuando se enamora perdidamente de una rica burguesa, inaccesible para él. Como no tiene ninguna posibilidad, persigue y corteja a una arruinada buscafortunas idéntica a ella. Persigue un fantasma, una sombra. Una historia retorcida y fascinante, la verdad, que Murnau narra con bastante sobriedad, pero con espóradicas y expresionistas concesiones al mundo del delirio y del sueño. El principal motivo de que la película sea poco conocida y no esté en el panteón de clásicos de Murnau es que fue una película perdida hasta hace pocos años, en que se encontró y restauró una copia. De obligada visión para cinéfilos consecuentes, es un Murnau más sombrío y amargo de lo habitual.

Orgullo

(1955) España
Manuel Mur Oti

En su etapa de mayor éxito comercial y amplitud artística, utilizando actores no muy conocidos, Manuel Mur Oti rueda este western ambientado en inconcretas tierras españolas, en el que dos familias se enfrentan en una guerra milenaria a costa del agua del río que cruza por sus tierras. La película muestra el talento narrativo y visual de Mur Oti, director siempre a reivindicar, y que dota a interés a este film que podría ser bastante peor en cualquier otro cineasta de la época. No esperen una obra maestra, sino una película muy competente que anuncia algunos de elementos de su obra maestra, Fedra, que rodaría un año después.

Melancolía

Melancholia (2011) Dinamarca
Lars von Trier

Adorado u odiado, el caso es que Lars von Trier se ha hecho ya un hueco importante en la historia del cine europeo de los últimos años. Es poseedor de un cine visceral, que comunica estados físicos o morales, y al mismo tiempoi investigador de todo tipo de medio y modo narrativo que se le ocurre. Melancolía recupera buena parte de su espíritu más dogma, y rescata la visceralidad de Rompiendo las olas, al narrar un estado de tristeza, decadencia, deseperación sin causa aparente, hasta que se somatiza en ese planeta errante. Película incómoda a ratos, sobrecogedora en parte final, que provoca turbiedad y mal rollo a nivel casi subliminal. Excelente film, en mi opinión, aunque me granjee la antipatía de sus numerosos detractores.

Terje Vigen

(1916) Suecia
Victor Sjöstrom

Conocido sobre todo por La carreta fantasma y sus películas americanas, Victor Sjöstrom guarda una interesantísimo época muda sueca que recompensa al buscador de tesoros con un puñado de obras frescas, líricas, vivas, plenas de sentimiento, de naturaleza telúrica, a menudo de inspiración literaria (de Selma Lagerlof, sobre todos). Terje Vigen se inspira en Ibsen, en cambio, y narra la historia, de nuevo en ambientes remotos, marinos y ventosos, de una venganza inesperada. Es una película breve, de apenas una hora, pero de gran inspiración, con una parte final emocionante, de un excelente cineasta que seguro guarda otras muchas joyas.

Drive

(2011) USA
Nicolas Windign Refn

El salto a Estados Unidos del danés Windign Refn después de la trilogía de Pusher fue este estilizado thriller urbano, con ciertos elementos temáticos, no tanto estilísticos, relacionado con sus películas anteriores. De cierto éxito, cuenta también con encolerizados detractores. A mí me ha gustado, es una de esas películas de texturas, de ambiente, o, como decía un crítico americano, de "feel and like". Película morosa en cuanto a sus personajes, tachada por ello injustamente de hueca, se centra es recrear un mundo a base de luces, de una cierta cadencia en los planos, de música, y de luz. Lo dicho, una película peculiar e hispnótica, violenta, levemente romántica, enigmática.

Soy el ángel de la muerte

Pusher 3 (2005) Dinamarca
Nicolas Windign Refn

Última parte de la trilogía Pusher (Camello), centrada también en el inframundo de la droga, de los camellos cutres, de Copenhage. Sigue el mismo mecanismo de las anteriores, siguiendo a un personaje que se encuentra con una inesperada deuda a contrarreloj que tiene que intentar saldar. En este caso el personaje central es un camello serbio que tiene que intentar conjugar una inesperada deuda con el cumpleaños de su hija. Las situaciones y personajes son parecidos a los de las dos anteriores, pero quizá como fin de fiesta o cierre de estos tres viajes al infierno, la trilogía se cierra con una interminable escena gore. Regular.

La última tentativa

Baby the rain must fall (1965) USA
Robert Mulligan

El trío creador de Matar a un ruiseñor, el guionista y escritor Horton Foote, el productor Alan J. Pakula y el director Robert Mulligan se vuelven a reunir para otro viaje a una pequeña comunidad del sur rural de Estados Unidos. Allí están el ex-presidiario Steve McQueen, cantante y guitarrista con tendencia a meterse en líos, y su mujer, Lee Remick, y su hija, que viajan allá para reunirse. Mulligan es de los mejores directores de niños, y aquí lo vuelve a demostrar, y se le da bien el entorno rural y la creación de poderosas imágenes melancólicas. El resto se le da peor, como las pocas escenas de peleas, rodadas de forma muy chapucera. Las imágenes y ciertos momentos pueden más que el todo de esta película, fallida pero con momentos hermosos.

¿Qué fue de los Morgan?

Did you hear about the Morgans? (2009) USA
Marc Lawrence

Ya lo he dicho por aquí antes: adoro a Hugh Grant. Es un excelente actor de comedia, a medio camino entre el histrión y el dandi, un cruce imposible entre Jerry Lewis y Cary Grant. Sabe combinarse con cualquier actriz (la televisiva Sarah Jessica Parker en esta ocasión), y sostiene comedias como ésta, con pocos elementos que la conviertan en algo destacable. Película agradable, menor, previsible, sin diálogos memorables, poca acidez, final feliz, en fin, que hay que verla en el momento adecuado. Es la tercera colaboración entre el actor y el director Marc Lawrence; la mejor es Music & Lyrics, pero las otras dos son agradables.

Uña y carne

Flesh and bone (1993) USA
Steve Kloves

Después del éxito de Los fabulosos Baker Boys, y antes de sumirse en un misterioso silencio hasta nuestros días, Steve Kloves escribe y dirige este inspirado melodrama, probablemente con la mejor interpretación de Meg Ryan en toda su carrera. Un film con un comienzo magistral, y un desarrollo salpicado de momentos de desarraigo, de aspereza, que pasan por encima de una parte final poco convincente. Quizá sea porque me gusta mucho personalmente los ambientes en que se mueve (esas llanuras interminables del medio oeste americano, vaqueros, camionetas, bares), pero me ha parecido un film a ratos excelente. Desde luego se trata de una película para recuperar.

Los intimidadores

The fearmakers (1958) USA
Jacques Tourneur

Un prisionero americano de la guerra de Corea regresa a Estados Unidos. Aún traumatizado por la tortura y la prisión, intenta recuperar su negocio de relaciones públicas, pero lo halla al servicio de sospechosos intereses supuestamente anti-americanos, sospechosamente pacifistas. Es premonitorio, paradójicamente, la denuncia del poder de los lobbies, que manejan y presionan a candidatos y senadores, hoy a la orden del día en la política americana, en esta película usada para alertar que el enemigo exterior está dentro. Tiene rasgos de ese misterio de las películas de Tourneur, aunque lejos de sus títulos más evocadores.

Kundun

(1997) USA
Martin Scorsese

En un momento disperso de su carrera, pero interesante, vital y entregado, Scorsese se acerca al mundo tibetano, al que se dedicaron él y otros famosos del momento, para denunciar el exilio del Lama, la colonización del territorio por la etnia Han y la supresión de derechos civiles. Kundun sigue la vida del decimocuarto Lama, que vio el fin de la Segunda Guerra Mundial, la pérdida del desconocimiento por parte del mundo de este remoto reino, y, lo que es peor, la invasión de la China de Mao. Scorsese lo recoge en la película con espiritualidad, con tranquilidad, con reposo, y logra una película equilibrada, personal y bastante veraz, y que, pese a contar con holgado presupuesto, no cae en los vicios de las superproducciones.

El equipo A

The A-Team (2010) USA
Joe Carnahan

Recuperación de una serie de gran éxito de los 80, que no se puede ver hoy sin un poco de rubor. Tenía su gracia por cierto tono disparatado y unos personajes de tebeo. Todo eso se diluye en esta tremendista versión, con unas escenas de acción que abusan del CGI y unos personajes de escasa trascendencia. Es correcta su actualización, desde Vietnam a la guerra de Irak, y su tímida denuncia de los negocios de las empresas de servicios alrededor del conflicto. Pero es bastante aburrida. El videoclipero Joe Carnahan, con un par de películas entretenidas en su haber, muestra sin pudor sus peores defectos.

Amarga victoria

Bitter victory (1957) USA
Nicholas Ray

Y si hablábamos de películas de género poco convencionales, Amarga victoria lo es del género bélico de la Segunda Guerra Mundial; en línea, no obstante, con otras películas del mismo género de la época (Desde Men at war, hasta Playa roja), se trata de un bélico psicológico, en lo que lo de menos son los alemanes y la escaramuza militar, sino los conflictos psicológicos de los dos personajes (Richard Burton y Curd Jürgens), enmarcado en un escenario con fuerte carga psicológica (el desierto). No es mis films favoritos de Ray, los conflictos y las interpretaciones me parecen forzadas en muchas ocasiones, pero adorada hasta lo sublime por Godard y muchos otros especialistas.

Miami blues

(1990) USA
George Armitage

Adaptación de la novela homónima de Charles Willeford, se trata de un poco convencional thriller con un joven Alec Baldwin como protagonista, imprevisible ratero al que sigue la pista Fred Ward tras cometer un crimen involuntario. Como digo, se trata de una película muy original, casi se podía decir pre-tarantiniana, con desarrollo zigzagueante, en un tono no siempre logrado cercano a la comedia negra. La carrera de su escritor-director no tuvo continuidad en el tiempo, y no ha vuelto a firmar producciones a la altura de ésta.

Los músicos de Gion

Gion bayashi (1953) Japón
Kenji Mizoguchi

Perteneciente a la edad dorada del maestro Mizoguchi, donde encadena obra maestra tras obra maestra, Gion bayashi es su mirada impasible, desapasionada y definitiva sobre el mundo de las geishas. Mirada desmitificadora y revolucionaria, a través de una novicia (la bella actriz Ayako Wakao), y una veterana, que luchan contra las costumbres de su profesión, que se muestra despojada de toda mixtificación. Es una  de sus películas más agrias, pesimistas y agobiantes.

Monpti

(1957) Alemania
Helmut Kautner

Romance parisino con una jovencísima Romy Schneider. Utiliza hábilmente los tópicos de la bohemia, la pobreza disimulada, los barrios de los artistas, las azoteas, el asomo sombrío del melodrama, siempre rondando. Es, en suma, un material adecuado a la vibraciones de un romántico incurable como Helmut Kautner, que consigue, con el apoyo de una buena dirección artística y una fotografía en tonos pastel, una película muy agradable y accesible.

Poor cow

(1967) UK
Ken Loach (como Kenneth Loach)

El debut en el largo de Ken Loach, atrevido en su lenguaje, en su gramática, en su mirada casi Dogma a sus personajes y sus acciones. Es la historia cualquiera de una mujer y sus relaciones con hombres de dudosa fiabilidad y carrera criminal. Es una película bastante repetitiva y con ratos vacíos, pero ya tiene la mirada personal del director británico, y nada de su indisimulada tendenciosidad.

Infectados

Carriers (2009) USA
Alex & David Pastor

No sé muy bien cómo, pero los estudiantes y cortometrajista tuvieron la oportunidad de rodar su primer trabajo en Estados Unidos, aunque lamentablemente no tuvo demasiada repercusión. Se trata de una película de zombies sin zombies, esto es, el asunto es una epidemia mortal altamente contagiosa que ha diezmado la población mundial, y ha convertido a los supervivientes en grupos con pocos escrúpulos. La producción es muy solvente y correcta, pero poco arriesgada. Se propone pasar con buena nota y factura técnica y lo cumple, pero no va mucho más allá.

El sabor de las cerezas

Ta'm e guilass (1997) Irán
Abbas Kiarostami

Un hombre recorre las afueras de Teherán, hablando con las personas que encuentra, ofreciendo un trabajo inaudito: la colaboración en un suicidio, tema por supuesto tabú en el mundo islámico. Construido sobre el leitmotiv más habitual en el mundo del cineasta iraní, esto es, un coche recorriendo un camino polvoriento, la película circula con el ritmo pausado también característico del autor, los detalles y las simetrías misteriosas, y un apunte final de metalenguaje cinematográfico, obsesión extraña en el cine iraní (A través de los olivos, El espejo). No me cuesta el cine de Kiarostami, con tal que no lo tenga que ver todos los días, me intriga, y lo poco que he visto de él, y que se puede consultar en este blog, está bien, si se toma el asunto con tranquilidad y entrando en su mundo. Tampoco sé muy bien qué pretende contar, son historias acerca de intelectuales que se chocan con el mundo agreste y sencillo de la vida diaria, en comunidades rurales o aisladas.

Cuarenta pistolas

Furty guns (1957) USA

Samuel Fuller

Wester escrito, producido y dirigido por Fuller, una de sus producciones en los que el director pudo hacer lo que le vino en gana. Y es un western bizarro sin ser excéntrico o buscar la rareza de por sí. Es un wester "carnal", donde cada escena parece rodada según la inspiracion del día, con ese tempo imprevisible de los mejores momentos de su cine. Escenas de erotismo soterrado y diálogos con sobreentendidos (entre dos secundarios que parece que se van a poner a fornicar en cualquier momento), planos imposibles, ruidos inquietantes (ese ahorcado), horrorosas canciones a destiempo, momentos elegíacos (el funeral). En fin, el cine vivo e inquietante según Fuller.

Mix de superhéroes

Semana Santa de superhéroes, la mayoría con mis chicos. Pero bueno, me crié leyendo estos tebeos, así que me gusta verlos en pantalla. Resumo.
- Amazing Spiderman (2012 - Marc Webb). No han pasado ni diez años desde la versión de Sam Reimi, y nos presentan un nuevo "reboot". No entiendo cómo se gastan casi toda la película volviendo a contar la misma historia que ya nos contaron hace tan poco. Además, el malo no tiene ninguna gracia. Floja
- Amazing Spiderman 2 (2014 - Marc Webb). Y he aquí la gran sorpresa. Es cierto que intenta llevar adelante muchas, demasiadas, líneas argumentales, y no todas salen igual, pero esta segunda parte es muy buena, buenísima a ratos, tanto que justifica la existencia de la primera. Los malos están muy bien perfilados, es palpable la química que existe entre los dos protagonistas, y se atreven a llegar hasta donde llegaron los cómics originales (no puedo contar más sin caer en contar demasiado). Si las películas de Sam Reimi captaban las texturas, colores y el carácter juvenil del personaje, esta película rescata su lado más esquizofrénico y desgraciado, el que sufría. Sorprendemente buena.
- Iron Man 2 (2010 - Jon Favreau); La segunda entrega de Iron Man es una película bastante mecánica, en la que tras empezar bastante bien, se convierte en pura rutina de trompazos y explosiones. Además, se muestra bastante bobalicona en ocasiones; el personaje de Pepper Potts sigue sin cuajar (rescatado de los primeros números de Iron Man, desapareció para alivio de los lectores tras los primeros 20 o 30 números), y Scarlett Johansson está exhuberante, por decir algo.

The fighter

(2010) USA
David O. Russell

Relato biográfico del púgil Micky Ward, desde su vida gris de los suburbios (hay algo de "Rocky" en esas calles y ese gimnasio) hasta la conquista del éxito. El filme se preocupa sobre todo de su entorno, de su familia (en especial de su madre y su hermano, un famélico Christian Bale, que es el protagonista en la sombra de la película), y de la lucha que mantienen con su novia por dirigir la vida del boxeador. Hay nombres importantes en la producción y dirección de este filme, que cosechó algunos premios y buenas críticas. Película de ambientación conseguida y buenos combates, me ha dejado no obstante un sabor a nada en particular algo preocupante.

Corta jornada laboral

Krótki dzień pracy (1981) Polonia
Krzystof Kieslowski

Película para televisión que relata unas horas de la vida de un gris funcionario del partido comunista, del que se nos dan detalles breves de su ascenso por las filas del partido, y del que se trasluce tanto su obediencia al régimen, como su alergia a cualquier tipo de problema, que ha sabido ascender gracias a una habilidad en no destacar en nada, y que de repente se ve en medio de una revuelta espontánea surgida por la subida desorbitada de precios ordenada desde el gobierno central. Kieslowski, siempre observando los hechos desde un punto de vista oblicuo o tangencial, relata la revuelta desde el punto de vista aséptico de este hombre, y sus piruetas por salvar su puesto y quedar bien ante todos. Un relato seco y realista, muy lejos del cine que hará famoso a este director posteriormente.

A todo riesgo

Classe tous risques (1960) Francia
Claude Sautet

La segunda película de Sautet se trata de un policíaco, en la modalidad de persecución. Un ladrón (Lino Ventura) que se ve poco a poco más solo, traicionado por los que fueran sus compinches, que depende casi por completo de un tipo al que no conoce (Belmondo), y al que la policía va cercando por momentos. Es un thriller muy atractivo que, aunque poco tiene que ver la filmografía posterior del director francés. Tiene el aroma de los mejores títulos del cine policiaco francés, que ha dado grandes momentos a los aficionados del género.

Sobre la película, en Criterion:

http://www.criterion.com/films/591-classe-tous-risques

La dinastía del petróleo

Campbell's kingdom (1957) UK
Ralph Thomas

Mezcla inestable de ingredientes variados: es una especie de western, pero ambientado en época más "moderna", en el mundo de la exploración del petróleo. Es una producción británica, con Dirk Bogarde, que tiene uno de esos papeles de hombre débil o atormentado, pero se desarrolla en Canadá. Se acerca también al cine de aventuras (en concreto al clásico de Clouzot El salario del miedo), y en otras ocasiones al melodrama o hasta la comedia. Se necesita un director más dotado que el artesano Ralph Thomas para llevar a buen puerto este potaje que se tambalea en más ocasiones de las permisibles y tiene un final que corta por lo sano todo lo anterior. Floja

Ocho apellidos vascos

(2014) España
Emilio Martínez-Lázaro

Al fin llegó el día en que convencí a mi mujer de ir al cine con los niños. Así que, mientras ellos veían Río 2, yo entré a ver cualquier cosa que empezara. Tocó la ubicua Ocho apellidos vascos, arrollador éxito de taquilla, la película que todo el mundo ha visto. De verdad que siento mucha alegría cuando una película española lo consigue. No le encuentro más méritos a esta película que a otras comedias ligeras que se puedan hacer; quizá haya sido el reírse de los tópicos mil veces vistos a cerca de andaluces o vascos. No me ha parecido muy graciosa (había gente en el cine partiéndose de risa desde antes de que pasara nada gracioso, lo juro); los actores están muy bien, particularmente Karra Elejalde. Pues eso, película agradable, sana, que se ríe de cosas que eran impensables hace unos años.

Two of a kind

(1951) USA
Henry Levin

Producción de la Columbia de serie B, muy entretenida, acerca de la construcción de una estafa, en la que un jugador y tramposo que se hace pasar por el hijo desaparecido de una pareja de ancianos para cobrar la recompensa. Me gusta cómo se va componiendo la trama, cómo se desarrolla y también cómo se resuelve. Echo un falta más desarrollo de algunas subtramas interesantes, algo más de ambición, y un actor más apropiado para el papel que Edmond O'Brien, muy por debajo, literal y figuradamente, de la esbelta bacalliana Lizabeth Scott.

Enterrado

Buried (2010) España
Rodrigo Cortés

Según Filmaffinity, se trata de una producción española. Se trata de la segunda película de Rodrigo Cortés, director que parece ser busca la originalidad o los planteamientos cuanto menos novedosos. Si Concursante era una inestable mezcla de drama, delirio y economía subversiva, Enterrado toma el reto de narrar con un único actor, el americano Ryan Reynolds, en un atípico escenario, el interior de un ataúd. Como no podía ser menos, resulta una película asfixiante, trepidante y, en ultima instancia, sarcástica.

La angustia de vivir

The country girl (1954) USA
George Seaton

George Seaton se puede considerar un autor completo, ya que a menudo es el escritor y productor de sus películas. Autor de películas amables en los años 40, en los cincuenta tiene algún film policíaco y de espías de inesperada contundencia, y algún melodrama estimable. En The country girl cuenta con un reparto de primera: Bing Crosby, haciendo de un actor alcoholizado y devorado por el sentimiento de culpa por la muerte de su hijo, Grace Kelly, que es su hastiada esposa, que recibió su único Oscar por este papel,  y William Holden, director teatral que le da una última oportunidad. Sobre una obra de Clifford Odets, el melodrama, de buena factura, se tuerce en un momento, en el que se torna inverosímil, casi delirante, y acaba dejando la sensación de ser un película bastante fallida.

Mujeres de la noche

Yoru no onnatachi (1948) Japón
Kenji Mizoguchi

Acabada la guerra, Mizoguchi coge sus cosas y se lanza a la calle, en la efervescencia neorrealista que recorre el mundo, a rodar la ciudad en ruinas, los pisos destruidos, las calles levantadas, y a sus mujeres, que sufren la maldición que las persigue en su cine. La prostitución le inspirará grandes y desgarradoras películas de aquí hasta su muerte. Mujeres de la noche es su incursión más amarga, pesimista y enraizadamente realista, al narrar la lenta decadencia de una viuda de guerra hasta la prostitución

La isla desnuda

Hadaka no shima (1960) Japón
Kaneto Shindo

Aunque ya tenía algunas películas a sus espaldas, la película que pone a Kaneto Shindo en el mapa es este bello relato telúrico, sin palabras, sobre la dura vida de una familia de campesinos, únicos habitantes de un islote desierto. Allí cultivan y trabajan, y dan constantes paseos en barca hasta el continente en busca de agua, o a la escuela, a las compras. No hay más en esta historia, un delirio etnográfico cuasi-documental (dudo mucho que nadie en el Japón de esa época viviera de esa manera), apacible de ver; aún es sorprendente, tantos años después, sus sonidos, su lirismo y su crudeza. Interesante.

El viento que agita la cebada

The wind that shakes the barley (2006) Irlanda
Ken Loach

Loach y Lavertyse trasladan a Irlanda para narrar los comienzos del IRA, su resistencia al dominio y a la arrogancia inglesa, y cómo se separan del que sería su brazo político al rechazar el acuerdo que da origen a la partición del país. La verdad es que he tenido un visionado muy accidentado  (más de lo habitual, quiero decir), y quizá por eso no aprecio las numerosas virtudes que estimó la crítica. No me llegan los personajes, ni sus conflictos, y me sacan del todo el maniqueísmo caricaturesco en el que se afanan la pareja de director y guionista.

Binglang

(2006) China
Yang Heng

Binglang (que quiere decir "Nuez de betel"; si no sabes lo que es este fruto, puedes verlo aquí) es una de esas películas que arrasa en los festívales, que recibe calurosas ovaciones en blogs y foros de cierto tipo de cine, y que nadie más ve o soporta. Se trata del relato de un verano de un par de jóvenes macarras, pequeños delincuentes. Un tórrido verano de algún lugar del sur de China. Está rodada en plano-secuencia, con la cámara estática, donde rara vez pasa algo. Se quiere plasmar precisamente la inanidad del tiempo desperdiciado, el vacío y la falta de sentido de las vidas de estos jóvenes de futuro incierto. Una vez superadas las reticencias iniciales y si eres capaz de entrar en la propuesta de la película, la verdad es que es un ejercicio curioso, una experiencia poco habitual.

Delicias turcas

Turks fruit (1973) Holanda
Paul Verhoeven

Votada pomposamente en su momento como la mejor película de la historia del cine holandés, obra que dio a conocer el talento arrebatado y sin fronteras de Paul Verhoeven, y la presencia brandonesca de un primerizo Rutger Hauer. Es la tórrida relación de un joven, insolente y desagradable artista con una menor. Historia de amor al fin y al cabo, escatológica y desenfrenada, una especie de Último tango nórdica, enfrentado a todo, que se desvanece. Una película escándalo, en el que los espectadores reconocerán sin problemas al futuro creador de Instinto básico, a la que esta película inspira y recuerda, pero aquí de forma más cruda, más salvaje.

The ladykillers

(2004) USA
Joel & Ethan Coen

Remake del clásico del gran Alexander McKendrik, que los hermanos Coen sitúan esta vez en el sur de los Estados Unidos, con tonalidades y texturas parecidas a las que usaron para O Brother. El papel que hiciera Alec Guiness es ahora interpretado por Tom Hanks, y la viejecita es una enorme viuda de color, que atiende a misas gospel. La película es bastante digna, con sus propios valores, e integrada plenamente en el mundo de los Coen, así que absténgase de hacer comparaciones. Es un film cuidado, vistoso y razonablemente divertido.

La muerte robada

Varastettu kuolema (1938) Finlandia
Nyrki Tapiovaara

Poco se sabe del cine finlandés de antes de los Kaurismaki; de las escasas referencias que se citan en las fuentes está este Tapiovaara, cineasta que rodó solo 5 películas antes de fallecer en la guerra, pero que parece ser un clásico de esa cinematografía. La muerte robada es un thriller enrevesado y de cierta originalidad, enmarcado en la finlandia ocupada por lor rusos, y en la que aparecen idealistas, agitadores, partidarios de la acción armada, aprovechados, contrabandistas; está realizada con aseada destreza y dominio de la elipsis (la escena del ataúd revisado por los guardias rusos). Tiene su gracia sin ser una obra maestra ni mucho menos. Para cinéfilos curiosos y amigos de lo exótico.

Teorema

(1968) Italia
Pier Paolo Pasolini

Para mi sorpresa, me gusta Pasolini. He visto bastantes películas suyas; es un director intuitivo, que llega al cine tarde, cargado de bagaje artístico, de reflexión y agitación política. Es el poeta y el político el que filma lo que le viene en gana; comienza en el neorrealismo, pero pronto se aparta de sus cánones, de cualquier cánon.

Teorema es la historia, casi sin palabras, de una familia burguesa, rica, de un propietario de una fábrica, que recibe la visita de un amigo, pariente, no se sabe muy bien qué (un inquietante Terence Stamp); a todos los seduce, con su enigmática y aparentemente anodina presencia. De pronto, se tiene que marchar, y la familia es incapaz de seguir con su anterior e insípida existencia, dedicándose a los más extraños quehaceres a partir de entonces.

Pues eso, es raro, imperfecto, amorfo, pero es impactante o talentoso a ratos, perdurable, no sabría explicar muy bien qué.

Concursante

(2007) España
Rodrigo Cortés

Primer largo del premiado cortometrajista Rodrigo Cortés, se trata de una crispada y original narración que une economía, denuncia, y un descenso a los infiernos de su protagonista, desafortunado ganador del mayor premio en especie dado en televisión, y que se ve conducido a la ruina por no poder mantener el coste de su premio. Desde ahí, este hombre, para más inri profesor de historia de la economía, comienza un viraje hasta los cimientos de la economía irreal que nos sostiene. Tiene el valor de ser una película pre-crisis, por lo que no le vale el calificativo de ventajista. Película desmadrada, lanzada hacia adelante, valiente, no he podido evitar aburrirme en muchos momentos. Pero, dado lo que me pasó con la película anterior de este diario, parece que atravieso una crisis de espectador inquietante.

The artist

(2011) Francia
Michel Hazanavicius

Creo que antes de todo la mera existencia de The Artist es una buena noticia. Es bueno que a alguien se le ocurra que puede ser viable realizar una película muda y en blanco y negro, y es bueno que haya gente que arriesgue su dinero en hacerlo. Pero es mejor aún que la película haya sido un éxito global y que los espectadores hayan ido a verla. Creo que es una película que encandilará a aquellos que no hayan visto en su vida una película muda o que no hayan visto Bailando bajo la lluvia o cualquiera de las versiones de Ha nacido una estrella. Quizá por eso The Artist me haya aburrido un poco, sus constantes intentos por agradar me sobrepasen y su capacidad de sorpresa se me agote en 10 minutos. Pero no le quiero poner reparos a esta película por lo dicho al principio de este reseña. Y además, los actores están muy bien, y la belleza extraña y dinámica de la actriz Berenice Bejo me nubla la capacidad de juicio.